A r t e s . P l á s t i c a s

Educación Estética y Artística

A c t i v i d a d ... d e ... A p r e n d i z a j e

Recuerda que esta Actividad de Aprendizaje se compone del estudio de la información contenida en esta página, la lectura complementaria (en formato PDF) y la correspondiente Evaluación.
 

Conceptos de arte

Abordar este tema nos lleva por muchos caminos, desde la concepción clásica hasta la problemática moderna en donde según algunos autores,el arte parece que deja de existir, lo importante es entender que no importa cual será la definición o postura más acertada, lo importante será, que solamente el ser humano es capaz de hacer arte, por lo tanto para hacer arte, se requiere de un determinado grado de destreza para objetivar la materia, además del proceso sensible y cognitivo que el hacedor de arte imprime en su obra; es lo que hace del arte una manifestación humana.

(1) El arte bello
Emmanuel Kant
Crítica del juicio
"Según derecho, debiera llamarse arte sólo a la producción por medio de la libertad, es decir, mediante una voluntad que pone razón a la base de su actividad, pues aunque gusta de llamar al producto de las abejas (los panales construidos con regularidad) obra de arte, ocurre esto sólo por analogía con este último; pero tan pronto como adquiere la convicción de que no fundan aquellas su trabajo en una reflexión propia de la razón, se dice en seguida que es un producto de su naturaleza (del instinto), y sólo a su creador se le atribuye como arte."

(1) Georg W. F. Hegel  en su Necesidad y Fin del Arte, aborda el problema del arte a partir de tres proposiciones:

  1. El arte no es un producto de la naturaleza, sino de la actividad humana.
  2. Está esencialmente hecho para el hombre y, como se dirige a los sentidos, recurre más o menos a lo sensible.
  3. Tiene su fin en sí mismo.

"Aquello que nos interesa verdaderamente, es lo realmente significativo en un hecho o en una circunstancia, en un carácter, en el desenvolvimiento o desenlace de una acción. El arte lo aprehende y nos lo manifiesta de manera más viva, más pura y clara que como se encuentra en los objetos de la naturaleza. Ninguna existencia real expresa lo ideal como lo expresa el arte."

La teoría del arte va más allá de los principios del arte bello y ha llegado a establecer tres diferentes teorías (2)
La teoría formalista considera irrelevante para la apreciación estética la representación, la emoción, las ideas; y todos los otros valores vitales. Sólo admite los valores del medio, que en el arte visual son los colores, las líneas, y sus combinaciones en planos y superficies.
El arte como expresión, la mayoría de los filósofos y críticos de arte no han sido formalistas; aunque muchos de ellos admiten que el énfasis puesto en el formalismo ha sido beneficioso, en cuanto ha servido para orientar nuestra atención hacia la misma obra de arte, es decir, hacia lo que presenta más que hacia lo que representa. Esos críticos sostienen que el arte puede ofrecernos otros valores, pero que éstos deben manifestarse a través de la forma, y no pueden ser captados sin prestar a la forma la máxima atención.

fam
Ingresa aquí >
.

Asunción de la Virgen. Alonso de Herrera, "el divino". Nació en la Ciudad de México a principios de 1579, se cree que comenzó a pintar a comienzos del siglo XVII.

En este aspecto están de acuerdo con el énfasis sobre la forma, pero no admiten que la forma merezca un énfasis exclusivo. Concretamente, muchos críticos han sostenido que, aparte de satisfacer las exigencias formales, la obra de arte debe en algún modo ser expresiva, especialmente de los sentimientos humanos. Esta concepción se concreta principalmente en la teoría del arte como expresión.
El arte como símbolo
Según la teoría de la significación, las obras de arte son signos icónicos del proceso psicológico que tiene lugar en los hombres, y específicamente signos de los sentimientos humanos.

La visión de Carlos Fajardo (3)
"En 1913, Guillaume Apollinaire escribía en sus Meditaciones Estéticas: [Ante todo los artistas son hombres que quieren volverse inhumanos. Buscan penosamente las huellas de la inhumanidad, huellas que no se encuentran por ninguna parte en la naturaleza].
La estandarización del arte reúne varias morfologías que construyen ciertas inestabilidades y metamorfosis en los productos artísticos de mayor consumo. Hablo aquí de uno de los fenómenos más relevantes en la concepción del arte actual: la monstruosidad. Globalizado e impuesto como gusto estético, el paradigma de lo monstruoso posee entre sus múltiples características la espectacularidad (algo más allá de lo normal) lo misterioso y enigmático (algo oculto de la naturaleza) y se basa en lo irregular, en la desmesura, en lo que sobrepasa los límites.
Esta teratología ( del griego Tera: monstruo) nos sitúa de inmediato en las categorías estéticas del feísmo y lo grotesco, magnificados por el gusto moderno, y se une ? siendo su proyección- al concepto del caos clásico, a las ideas del romanticismo sobre lo físicamente deforme pero moralmente bondadoso, a las nociones vanguardistas sobre la realidad social como eufórica, terrible y caótica, elevando a nociones artísticas lo siniestro, lo prohibido, lo antirracional, lo inconsciente, manifestaciones de lo ondulante y ambiguo, originadas de las inestabilidades y metamorfosis teratológicas.
Así, se han gestado para el arte contemporáneo, sobre todo en este final del siglo(XX), unas categorías bien particulares provenientes de las nociones de lo caótico y lo monstruoso, tales como la inestabilidad, lo dinámico, lo imprevisible, la indecibilidad de las formas, la turbulencia, la discontinuidad, la fragmentación, lo aleatorio, lo fractal, el bricollage, la simulación, la multiplicidad, entre otras.

La inestabilidad es una de las categorías más sobresalientes. Se rompe con ella la norma clásica y la rigidez tradicional del juicio de valor estético. Se originan de esta categoría la desmesura, lo informe, lo imprevisible."

Carlos Fajardo, al igual que muchos otros autores, ven en el arte o lo queda de él, un caos, una globalización que basada en el consumismo, genera arte de trasgresión, llegando a presentar un estado de desgaste en el arte contemporáneo, cuando sus categorías estéticas no responden más a los principios del arte bello, llegando a la inestabilidad y a un dinamismo que tiene una gran velocidad de crear por crear para que el público pueda adquirir lo que se le presenta como la vanguardia, pero esta llamada vanguardia no llega a nada, porque el goce

estético de la creación queda desvinculado del goce estético de la contemplación, porque contemplar es estatismo en la sociedad moderna. Bueno o malo conviene hacer una pausa en el vértigo de la masificación artística y analizar si queremos continuar en este tren que lleno de "tecno" y "retro" o nos proponemos una cambio, que no vuelta a viejos procesos, sino a nuevas propuestas que tengan como fin la formación estética de gozo a los sentidos.

Para identificar el porqué de la situación actual del arte, conviene citar a Juan Acha en su escrito "Problemas artísticos de América Latina"
"Hoy nos resulta obligatorio a los teóricos latinoamericanos preguntarnos por las causas de la situación de nuestras artes plásticas. Sobre todo, si las tomamos por lo que son: complejos y amplios fenómenos socioculturales y, consecuentemente nos saltan a la vista ausencias y escaseces, desequilibrios e inconclusiones."

Como conclusión citaremos unas líneas del libro Introducción a la Creatividad Artística de Juan Acha.


"Entre las funciones sociales que no dependen del tema se encuentra la educativa que, a través de las políticas culturales le da todo Estado a las obras de arte con el fin de reforzar las ideologías dominantes y formar la personalidad de sus ciudadanos, mediante la promoción de su individualidad o el individualismo, su solidaridad social o el gregarismo. Por otra parte, las obras de arte cambian, amplían y enriquecen el sistema de valores y los hábitos de la cultura estética colectiva (la popular o la hegemónica), a saber: belleza o fealdad, dramaticidad o comicidad, novedad o trivialidad, lo sublime y lo típico. Esto, además de difundir en la colectividad nuevos modos de percibir el mundo, sentirlo y pensarlo. Si bien el artista no participa de los usos oficialistas de las artes, debe conocerlos para ponerse en guardia contra cualquier manipulación de los efectos de sus obras.
Las funciones sistémicas pueden ser estéticas, en cuanto el artista se propone innovar la belleza formal o llevar a su obra nuevos aspectos de alguna categoría estética de la realidad. Con la función técnica se aboca uno que otro artista al  enriquecimiento de producción con un nuevo material, herramienta o procedimiento. Las funciones artísticas se concretan en la subversión renovada de las ideas básicas del arte, en la formulación de nuevos problemas, en la solución de alguno conocido o en al remozamiento de las ideologemas artísticas. Como es de suponer, el compromiso con las funciones artísticas requiere que el artista tenga conocimientos de historia y teoría del arte mientras que, por su parte, las estéticas le demandan experiencia sensitiva y las técnicas, ingenio y muchos años de trabajo manual y de experimentación."

BIBLIOGRAFÍA

1) Lecturas Universitarias, Textos de estética y teoría de arte, Adolfo Sánchez Vázquez.

2) Estética, historia y fundamentos, Monroe C. Beardsley, John Hospers. Décima edición, ediciones Cátedra. 1990.

3) Carlos Fajardo Fajardo 1999. Espectáculo. Revista de estudios literiarios. Universidad Complutense de Madrid. El URL de este documento es http://www.ucm.es/info/especulo/numero11/

Producto de la actividad humana: aunque la naturaleza crea piezas bellas, no pueden ser consideradas como arte, ya que no tienen una intención.

Recurre a lo sensible: El arte esta hecho por el hombre y para el hombre y lo goza por medio de sus sentidos.

Tiene su fin en sí mismo: Además de expresar o intentar representar a la naturaleza, todos sus elementos que lo integran servirán para obtener una obra de arte propia y única.

Teorías del Arte:

FORMALISTA: Considera irrelevante para la apreciación estética la representación, la emoción, las ideas; y todos los otros ?valores vitales?. Solamente admite los  valores ?del medio?, que en el arte plástico son: el color, la forma, el plano y la relación de éstos en una superficie.

EXPRESIONISTA: Opuesta a la Formalista, no importa la técnica ni los conceptos formales, toda obra tendrá como fin, provocar por medio de categorías estéticas, sensaciones y emociones en los sentimientos del espectador.

SIGNIFICACIÓN: Es ver el arte como Símbolo, las obras de arte son signos icónicos del proceso psicológico que tiene lugar en las personas y específicamente signos de los sentimientos humanos.